| |
Chuecatown
Puntuación: 3 estrellas
 Chuecatown no es una comedia gay negra, aunque lo sea. No es la primera película rodada casi íntegramente en Chueca, aunque lo sea. Tampoco es un retrato generacional sobre las vicisitudes que una pareja gay enfrenta en la sociedad actual, aunque también lo sea.
Por encima de todo ello, Chuecatown es una película sobre la modernidad. O más en concreto, sobre el constante enfrentamiento entre lo tradicional y lo moderno. Entre lo que unos pocos pretenden que sea Chueca (y por extensión, la sociedad española) y lo que realmente es.
Porque si rascamos debajo de las fachadas de esos edificios tan vanguardistas que proliferan en nuestras ciudades, descubrimos que su estructura interior sigue siendo la misma. Y eso les pasa a los protagonistas de esta película. Sobre todo a ese Víctor que pretende a toda costa crear el barrio de sus sueños aunque sea matando a aquellos que se oponen a su ideal.
Juan Flahn, con larga experiencia como guionista en series de televisión e incursiones en el cine, demuestra muy buenas maneras en la dirección de esta  comedia negra costumbrista de bajo presupuesto, aunque como en toda ópera prima haya errores más o menos evidentes. Juan confiesa que Hitchcock ha sido su principal referente a la hora de planificar Chuecatown. Habría que añadir algunos guiños implícitos al cine de Berlanga, y al de autores como Blake Edwards (Diagnóstico: Asesinato y ¿Qué hiciste en la guerra, papi?).
 El guión, firmado al alimón con los realizadores Félix Sabroso y Dunia Ayaso, tiene un buen arranque aunque da la sensación de que los excesos de las tramas impiden un cierre que mantenga el mismo nivel inicial. Eso ya sucedía en Perdona, bonita, pero Lucas me quería a mí y en Descongélate (ambas del tándem Ayaso-Sabroso).
Chuecatown es una comedia trivial, sin pretensiones, que se ríe constantemente de sí misma y en la que destacan los trabajos de Rosa María Sardá, Pablo Puyol y Concha Velasco (en un registro -algo sobreactuado- al que no teníamos costumbre de verla), y sobre todo la pareja Pepón Nieto-Carlos Fuentes, que desprende química en la pantalla.
 Lo mejor: Que es una comedia sin pretensiones y consciente de sus propias limitaciones.
Lo peor: Da la sensación de que con el mismo material y más presupuesto, se podía haber logrado más.
28 Semanas Después
Puntuación: 3 estrellas
 Decía Alfred Hitchcock que no existe terror en un disparo sino en la anticipación a él. Siempre he creído que al auténtico terror, ese que te deja petrificado en la butaca, proviene no del horror que vemos en pantalla sino de lo que intuimos que sucede fuera de cuadro. Por eso, joyas como La matanza de Texas son clásicos imperecederos y chorradas gore como Hostel nunca llegarán más lejos de un cine de centro comercial.
28 días después, rodada en 2003 por Danny Boyle, pertenece a la primera categoría, si bien algunos desmanes del guión provocaron que su tramo final fuera decepcionante. Como recordaréis contaba la historia de la liberación por error en Gran Bretaña de un virus que se transmitía a través de una simple gota de sangre y dejaba a quienes infectaba en un estado permanente de rabia homicida. En los 28 días siguientes, el país quedó devastado y un puñado de supervivientes luchaba desesperadamente por tener un futuro.
Cuatro años después, el equipo original ha decidido poner en marcha su secuela, 28 semanas después, que se centra en una reconstrucción al frente de la que se encuentra un ejército que no puede evitar que, por un simple acto de amor, el virus se reproduzca aún con más virulencia.
Danny Boyle decidió ceder el testigo en la dirección de esta secuela al canario Juan Carlos Fresnadillo, cuya única película hasta la fecha, el thriller Intacto, aportó una bocanada de aire fresco al cine español a pesar de su irregular desarrollo final.
Fresnadillo, coautor del guión, se ha convertido en el primer director español al frente de una gran producción internacional y demuestra un sorprendente dominio de las claves del género entregando una secuela que nuevamente brilla sobremanera en su primera mitad.
La escena en la que el protagonista, Robert Carlyle (Full Monty) huye despavorido de los infectados, la del helicóptero o el ataque militar sobre la desértica ciudad de Londres son un ejemplo de tensión, suspense y potencia visual. Unos elementos presentes todo el momento en esta cinta de suspense a la que Fresnadillo ha sabido dotar de personalidad propia y, sobre todo, de ritmo.
A pesar de ello, 28 semanas después se diluye un poco en su segunda parte, justo cuando nos somete al clásico juego del equipo de supervivientes que poco a poco va pereciendo en busca de la salvación. Como suele pasar, uno adivina casi siempre quién será el próximo en morir.
No en vano, hay otros hallazgos en el guión que debemos destacar: sobre todo lo que respecta al posicionamiento ético que debe adoptar el espectador ante algunas de las tramas que se plantean. Si a ello le unimos un montaje rápido y efectivo al que sólo cabe achacar algún exceso videoclipero, una excelente planificación visual y una potente banda sonora, 28 semanas después es uno de los títulos más apetecibles del recién estrenado verano.
Lo mejor: Sin duda el arranque del film y el ataque sobre Londres. Hay que destacar el trabajo de Carlyle.
Lo peor: El tópico de que la trama se convierta en un cuentagotas de cadáveres de los protagonistas supervivientes.
Transformers
Puntuación: 0
 El niño bonito de las superproducciones de acción, Michael Bay, nos entrega un nuevo engendro que sumar a la ya larga lista despropósitos existentes en su prescindible filmografía (a saber: Armaggedon, Pearl Harbour, La Isla). La cosa no dejaría de ser intranscendente sino fuera porque en esta ocasión la ‘broma’ se ha la pagado Steven Spielberg (que insistió en contratarle) y por el hecho de que Bay destroza y mutila el legado de una de las series que con más cariño recordaba de mi infancia. No quiero ni pensar en la reacción de los auténticos incondicionales de los Transformers. Sobre todo cuando descubran que Mumblebee se ha convertido en un chevrolet camaro.
Y eso que Bay se esforzó mucho en su visita a Madrid en sonreír a la prensa y bromear sobre el punto de partida del guión: un muchacho que compra un coche y descubre que es un robot llegado desde el espacio. La historia se narraba con la claves que han hecho célebre a Speilberg: el habitual tono familiar, un humor para todas las edades y el clásico personaje teenager con el que se pretende que empatice el público.
Y Bay (que debería alistarse en el ejército ya que tanto lo ama) se empeñó en introducir las suyas: invasiones que amenazan el planeta, muchas armas de última generación y el rancio patriotismo encarnado en un idolatrado Secretario de Defensa.
No me creo nada en su argumento (si es que lo hay), ni me interesan los pasotes de pirotecnia que se marca Bay, y desde luego me creo mucho menos que los ‘transformers’ (que en la galaxia exterior se enteraban de todo por internet) vengan a nuestro planeta a buscar un cubo de poder porque se han enterado de que en ‘ebay’ se subastan unas gafas de un tipo que un día se encontró en la Antártida con Megatrón (el líder de los malvados Decepticons).
Si la llegáis a ver, quedaros con este nombre y su rostro: Shia Labeouf. Es el ‘apadrinado’ de Spielberg. Se conocieron en la taquillera Disturbia (en España se estrena en octubre) y estos días rueda la cuarta parte de Indiana Jones, en la que interpretará al hijo de Harrison Ford. Shia está a punto de convertirse en la nueva estrella ‘teen’ de Hollywood, a pesar de su cara de pasmo permanente.
Lo mejor: Si eres fan del ‘tuning’, la única gracia es ver cómo los automóviles se transforman en humanoides.
Lo peor: Que los ‘transformers’ se enteran de todo por Internet, y eso que en el espacio exterior no hay wi-fi todavía.
¿Por qué se frotan las patitas?
Puntuación: 2 estrellas
 Hartas de que sus sentimientos sean ignorados, de que su soledad no se vea atenuada por los hombres que las rodean, tres mujeres de tres generaciones de una misma familia deciden huir del hogar para buscar algo de esperanza y de paso encontrarse a sí mismas.
¿Por qué se frotan las patitas? es la ópera primera de Álvaro Begines, cofundador del ochentero grupo de pop intranscendente No me pises que llevo chanclas. Begines demuestra un interesante oficio en el planteamiento y planificación de este drama musical. Sus mayores logros se producen en la estética y visualidad de las piezas cantadas que, a descarado modo de videoclip, se intercalan e intentan dar fuerza a la historia, virtud que a Begines le vendrá de su pasado en la mítica banda.
Hay que reconocer que es la primera vez en el cine español que parece que de verdad sus autores se han tomado la molestia en planificar el rodaje de los números cantados (recordar lo sonrojantes que eran las coreografías de El otro lado de la cama y secuela).
Sin embargo, el guión carece de intensidad y fuerza. No quedan claras las motivaciones de los personajes y sus relaciones entre sí parecen cogidas por alfileres (espantosa e innecesaria la subtrama en torno al detective). Esta historia es demasiado amable consigo misma y le falta profundidad. Las buenas intenciones del director, las correctas interpretaciones (brillante Lola Herrera y Raúl Arévalo) no son suficientes.
Además de ser la ópera prima de Begines, ¿Por qué se frotan las patitas? es la primera película en nuestro país que se reestrena en salas comerciales. Estrenada sin pena ni gloria por la fuerte competencia del cine norteamericano el pasado 24 de noviembre, los productores y los distribuidores han decidido dar una segunda oportunidad a esta cinta volviéndola a programar desde esta semana. Veremos qué tal funciona en su segundo intento.
Lo mejor: El tramo final, sobre todo el momento en el que Lola Herrera se sube al escenario.
Lo peor: Que a esta película le falta alma y le sobran historias paralelas como la del detective que resta tiempo a los protagonistas. |
